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Bruno Tauts Filmphantasie "Der Weltbaumeister"(1920) wird interpretiert als ein kosmischer Zeugungsakt, der das architektonische Schaffen symbolisiert. Das Spezifische der Liebesmetaphorik, deren Wurzeln in der Romantik (Runge) ausgemacht werden, liegt in ihrem homoerotischen bzw. androgynen Gehalt. An zahlreichen, auch über die expressionistische Ära hinausreichenden Beispielen wird klar, daß es sich um eine epochale, keineswegs biographisch begrenzbare Phantasie der Selbstzeugung handelt. Der Künstler setzt sich in seiner Vorstellung vom künstlerischen Akt als weibliches und männliches Prinzip, d.h. die materiellen, der Autonomie von Kunst entgegenstehenden gesellschaftlichen Bedingungen (z.B. der Gebrauchszweck in der Architektur) werden in das Ich als weibliches verlegt. Nur im Rahmen dieser extrem idealistischen Denkhaltung bezeichnet Taut 1924 "die Frau als Schöpferin".
Der Name Engelbert Humperdinck wird von den meisten Musikinteressierten unwillkürlich mit seinem berühmtesten Werk "Hänsel und Gretel" oder allgemein mit dem Begriff "Märchenoper" assoziiert. Auch herausragende Musikwissenschaftler - wie z.B. Carl Dahlhaus im "Neuen Handbuch der Musikwissenschaft" - beschränken sich beim Stichwort "Humperdinck" in der Regel auf Erläuterungen zu "Hänsel und Gretel". Humperdinck hat in der Tat eine ganze Reihe von Märchenstoffen vertont: Er begann mit Liedern zu Märchenspielen, die seine Schwester Adelheid Wette für ihre Kinder geschrieben hatte ("Schneewittchen" 1888, "Hänsel und Gretel" 1890 und "Die sieben Geislein" 1895). Nach dem Erfolg der durchkomponierten Oper "Hänsel und Gretel" 1893 versuchte er sich an der Gattung Melodram ("Königskinder" 1895/97 nach einem Text von Elsa Bernstein), einer Mischform aus Singspiel und Melodram ("Dornröschen" 1902 nach einem Text von Elisabeth Filhés-Ebeling) und schließlich wieder an der durchkomponierten Märchenoper ("Königskinder" 1910). Außerdem schrieb er ein Vorspiel und zwei Musiknummern zu Maurice Maeterlincks "Der blaue Vogel" (1910-12).
Jedoch war dies nur ein Bereich der Musik für die Bühne, in dem er sich betätigte. Eine bedeutende Phase war für Humperdinck die Zusammenarbeit mit Max Reinhardt am Deutschen Theater und Alfred Halm am "Deutschen Schauspielhaus" in Berlin (von 1905 bis 1907), in der u.a. Bühnenmusik zu vier Shakespeareschen Werken entstand ("Der Kaufmann von Venedig", "Der Sturm", "Das Wintermärchen" und "Was ihr wollt"). In seiner letzten Schaffensperiode konnte Humperdinck sich verstärkt der Gattung widmen, die ihm schon vor Hänsel und Gretel als Ausweg aus der Wagner-Nachfolge-Lethargie erschienen war, der komischen Oper ("Heirat wider Willen" 1905, "Die Marketenderin" 1914, "Gaudeamus" 1919).
In diesem Beitrag soll "Dornröschen" genauer betrachtet werden - ein Märchenspiel, das im Unterschied zu den beiden Märchenopern Humperdincks wenig Erfolg hatte und in der Literatur bisher so gut wie gar nicht behandelt wurde. Wie ist das Werk entstanden, was ist das Besondere an ihm, und welche Gründe gibt es für sein Scheitern auf der Bühne? Zunächst soll je doch ein kurzer Überblick über Inhalt, Besetzung und Form in das Werk ein führen...
Auf dem Internationalen Kongress für Kunstgeschichte in Berlin 1992 stellte Rosalind Krauss eine neue Interpretation von Pollocks Drip Painting vor, die sich gegen "sublimatorische" Lesarten richtete. Pollock habe nicht bestimmte künstlerische Intentionen verfolgt. Es gebe keinerlei Evidenz dafür, dass er über Ideen verfugt habe, die ihm nicht von anderen eingegeben oder durch die Erwartungen und Normierungen der Rezipienten gesteuert seien. Solche herkömmlichen Verständnisweisen hielten an einem traditionellen Gestaltsehen, am Prinzip der Repräsentation fest. Erst die auf Pollock folgende Künstlergeneration habe den eigentlichen Stellenwert seiner drip paintings "through a far more violent and desublimatory grid" erkannt. Cy Twomblys 'Graffiti', Robert Morris' 'anti-form' und Andy Warhols 'Piss Painting' hätten die triviale, biologisch-naturgesetzliche Dimension von Pollocks Tropftechnik bewusst gemacht und auf die in ihr vorgenommene Entweihung der vertikal anthropomorphisierten Bildebene verwiesen. Die neue Horizontalität oder auch 'Niedrigkeit' des Bildes entlasse es aus den Intentionen seines Schöpfers, bestimme die Form zur Spur eines Unbeabsichtigten, Unbewussten. ...
Communication in the Web 2.0 context mainly works through images. The online video platform YouTube uses this form of visual communication and makes art forms of Western societies visible through their online videos. YouTube, as cultural reservoir and visual archive of moving images, accommodates the whole range of visualising creative processes – from artistic finger exercises to fine arts. A general characteristic of YouTube is the publishing of small everyday gestures of the ‘big ones’ (politicians, stars), like small incidents and their clumsiness in everyday actions, e.g. Beyonce´s fall from the stage or Tom Cruise’s demonic pro-scientology interview. Through their viral distribution on different platforms, these incidents will never be covered up or disappear from the public view. At the same time big gestures and star images are replicated and sometimes reinterpreted by the ‘small people’ who present themselves in the poses and attitudes of the stars. Generally, a coexistence of different perspectives is possible. YouTube allows polysemic and polyvalent views on the everyday and media phenomena. This article relies on YouTube research 2 that started in 2006 at the New Media Department of the Goethe University of Frankfurt. The results of the research have already presented representative forms and basic patterns, that is to say, categories for the clips appearing here. These kinds of clips, recurring in the observation period, have an impact on the basic representation of art or artistic expression within moving images on this platform. Methodologically the focus leads to the investigation (which has to be adequate to the specifics of the medium, or ‘media adequate’) of new visual structures and forms which can create – consciously or unconsciously – an art form. After focusing on the media structures, it will be discussed whether any and, if so, which ‘authentic’ new forms were developed solely on YouTube and whether these forms are innovative and can be characterised as avant-garde. This article first takes a small step in evaluating how to get from a general communication through means of visuality in web 2.0, an often endless chatty cheesy visual noise 3 – to the special quality of a consciously created aesthetic. From where do innovative aesthetic forms emerge, related to their media structures? 4 Are they the products of ‘media amateurs’ 5 or do we have to find new specifications and descriptions for the producers? The definition of a ‘media amateur’ describes technically interested private individuals who acquire and develop technology before commercial use of the technology is even recognisable. Just as artists are developing their own techniques, according to Dieter Daniels, media amateurs are autodidacts who invent techniques, rather than just acquire knowledge about them (see for example the demo scene, the machinima, brickfilm producers as well as many areas of computer gaming in general 6). The media amateur directly intervenes in the production processes of the medium and does not just simply use the medium. What is fascinating is the media amateur’s process of self education – not the result – and the direct impact on the internal structure and the control of the medium. 7 Media amateurs open a previously culturally unformed space of experience. This only partially applies to most of the YouTube clips in the realms of the visual arts; it is here most important to look at the visual content. This article discusses all these concepts and introduces new descriptions for the different forms of production: the technically oriented media master, the do-it-yourselfer, the tinkerer, the amateur handicraftsman and the inventor. It outlines a basic research project on ‘visual media culture’ (a triangulation of research on media structure and iconography) of the presented online video platform. It is a product of the analysis of clips focusing on the media structure, analyzing the creative handling of images and the deviations and differences of pre-set media formats and stereotypes.
From the very outset of European expansion, scholars have been preoccupied with the impact of proselytization and colonization on non-European societies. Anthropologists such as Margaret Mead and Bronislaw Malinowski, who witnessed these processes at the beginning of the twentieth century while at the same time benefitting from the colonial structure, were convinced that the autochthonous societies could not possibly withstand the onslaught of the dominant European cultures, and thus were doomed to vanish in the near future. The fear of losing their object of research, which had just recently been discovered, hung above the heads of the scholars like a sword of Damocles ever since the establishment of anthropology as a discipline. They felt hurried to document what seemed to be crumbling away. Behind these fears there was the notion that the indigenous cultures were comparatively static entities that had existed untouched by any external influences for many centuries, or even millennia, and were unable to change. This idea was shared by proponents of other disciplines; in religious studies, for example, up to the late 1980s the view prevailed that the contact between the great world religions and the belief systems of small, autochthonous societies doomed the latter to extinction. However, more recent studies have shown that this assumption, according to which indigenous peoples have not undergone any changes in the course of history, is untenable. It became apparent that groups supposedly living in isolation have extensive contact networks, and that migration, trade, and conquest are not privileges of modern times. Myths and oral traditions bore witness of journeys to faraway regions, new settlements founded in unknown territories, or the arrival of victorious foreigners who introduced new ways and customs and laid claim to a place of their own within society.